创作于1912年的《自画像1》可以说是席勒一系列作品中相对“温和”的一张作品了。

画中的席勒傲慢地抬着头，一双大大的眼睛望着观者仿佛在向观众挑衅，奔放且强有力的线条进一步表现了，画家人物的性格特点，将自己内心深处的即放纵不羁，又迷惘困惑的感情色彩传递给观者。

和以往的作品不同这幅作品的，颜色采用了大面积的黑色，背景是单纯的银灰色，面部也压缩了色彩了的饱和度，烘托出符合画家年纪的单纯美好。

作品创作于1912年，那时的席勒刚满22周岁，才华横溢、正值青春，对未来充满无限幻想，这件作品也代表了处于这个年纪的年轻人的特点。

创作于1914年的这幅《自画像2》，则跟上一幅有很大的不同，这是一幅光着上半身的自画像，扭曲的“拍照式”的姿势显示出席勒有很强的自恋情结，画家一手刻意的比出“V”的动作，大拇指弯曲，食指和其它三个分开，这是他经常用到的手势，常人难以理解。

微微低头满含挑衅的眼光，此刻的席勒仿佛将自己比作了圣人，处在高高在上的地位，这区别于他画别人，在画室里，席勒经常把自己放在教高的地方去作画，为的是有一个较高的视点，去作俯视去全方位观察自己的模特。

席勒常说“一只鸟站在一棵枝繁叶毛茂的大树上，他的羽毛颜色暗淡，行动迟缓，也不再能唱歌；他的眼中反射出一千中绿色”。

在席勒眼中，任何模特任何个体都是孤立的，仿佛是没有灵魂的尘埃，地位卑微，而他要做的是以上帝的视角，将他们反映出来，他们可以没有名字，没有地位，就像一只一只站在枝头的鸟儿。

此刻席勒眼中的模特甚至没有了男人女人之分，这是一种“上帝视角”他将自己看作是，被指派到人间的圣人，这幅画反映的正是一种圣人姿态。

生活中的席勒是一位绅士一样的人，旁人评价席勒是一为极其英俊的青年，外表光鲜亮丽，衣着讲究，高贵、儒雅、斯文，有着很好的教养，这和他扭曲的画风极不相符，这种状况源自于他长久内心压抑的痛苦。

童年亲人的相继离世，成了他内心无法治愈的痛苦，父亲精神疾病发作时的样子，也久久在脑海中挥之不去，而这些都被，自己的良好教养压制在了内心深处，长久以来无处宣泄的席勒便把这种痛苦的、矛盾的内心情感寄托在了绘画作品中，可以说他的作品是他人格特点的体现。

《自我寓言2》中席勒，将自己画成被死神环抱的男人，面容安详，身体枯瘦，眼神呆板，平静的等待死神的到来，没有任何的反抗。

画中橙色的色调加强了死亡的氛围，处处透漏出绝望、无助，背景粗放的笔触显示出隐藏在，席勒内心深处的不甘和挣扎，与外表形成矛盾，内心情感的挣扎通过面临死神时的表现，与背景的处理，和谐的被安排在了统一的画面中去。

此时这幅作品已经完全摆脱了克里姆特的影响，少了装饰性图案、颜色艳丽的多色彩分割，取而代之的是强劲有力的轮廓线，虽然夸张变形每一条，却恰当的卡在正确的关节处，显示出席勒教深的基本功。